HOPE + Moritz Majce @ Pop Kultur Festival, Berlin 17.8.2018

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HOPE + Moritz Majce: Commissioned Work
Pop Kultur Festival Berlin

CONCEPT: HOPE + Moritz Majce VOCALS: Christine Börsch-Supan GUITAR: Phillip Staffa DRUMS: Fabian Hönes KEYBOARD: Martin Knorz SPACE CHOREOGRAPHY + VIDEO: Moritz Majce SOUND: Kilian Brand LIGHT: Frank Grunert

17. August 2018, 19:40–20:20 / 21:00–21:40 / 22:20–23:00

Pop Kultur Festival Berlin
Theater RambaZamba
Schönhauser Allee 36–39, 10435 Berlin

Adam + Eva (3)

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Modellansicht, 2018

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Modellansicht, 2018

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Modellansicht, 2018

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Modellansicht, 2018

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Modellansicht, 2018

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Modellansicht, 2018

Choros IV @ Montag Modus, Collegium Hungaricum, Berlin 16.4.2018

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Choros IV, Collegium Hungaricum Berlin

»Choros ist der Titel einer Reihe, in der sich Moritz Majce und Sandra Man dem Verhältnis von Körper, Blick und Raum widmen. Es ist der altgriechische Name für den Tanzplatz wie auch die Tanzenden. In Chorus I und II arbeiteten Majce und Man mit einem Raumchor aus TänzerInnen daran, einen Raum als fließende Bewegung um und mit Zuschauenden zu schaffen. In Choros III filmten sie mit einer Performerin im Gebirge und erkundeten die Möglichkeiten einer in den Zuschauerraum verlängerten Landschaft. In Choros IV installieren sie eine Abfolge choreographischer Filme, vertonen sie mit Sprache und Klang und setzen die Durchlässigkeit von Innen und Außen ins Zentrum: zwischen Hören und Sehen, Bild und Raum, Aussicht und Reflexion. Ein Ausgangsmotiv bildet die scaenae frons des antiken römischen Theaters, eine bemalte Wand hinter der Bühne, die erstmals den Blick des Publikums auf die dahinterliegende Landschaft unterbrach.

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Choros IV, Collegium Hungaricum Berlin


In der Zusammenarbeit von Majce und Man geht es um ein Schauen, das für sich steht. Dafür bauen sie neue Zuschauerräume. Was man darin sieht, hört, spürt, wahrnimmt, versetzt in den Modus des Schauens. Zuletzt in den Raumchoreographien Narkosis (Open Spaces, Uferstudios 2017), Koroška (Kunstraum Lakeside, Klagenfurt 2017), Narziss / Echo (imagetanz, Wien 2017), Festung / Europa (Sophiensaele 2015).«

16. April 2018, 20:30–21:00 Uhr

Montag Modus #18 This Is the Event and the Event is Many Things
Collegium Hungaricum Berlin (CHB)
Dorotheenstraße 12, 10117 Berlin

Eintritt frei

Adam + Eva (1)

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Michelangelo, La Creazione di Adamo, 1508–1512

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Albrecht Dürer, Adam und Eva, 1507

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Giovanni di Paolo, Creazione e Cacciata dal Paradiso terrestre, 1445

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Hieronymus Bosch, Garten Eden, 1500

Choros: Call for Performers 2018 (OVER)

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Choros, Modellansicht

Für die Raumchoreographie Choros suchen wir Tänzer- und PerformerInnen mit professioneller Bewegungs-/Tanz- und Sprech-/Gesangserfahrung, die Lust auf präzise und intensive Chor-Arbeit, Sinn fürs Zusammenspiel und Freude an der Herausforderung haben.

Die Essenz des Chors ist die Verbundenheit der Teilnehmenden untereinander. Diese Gemeinschaft zeichnet ihn aus und sie teilt er mit den ZuschauerInnen. In einer Gegenwart, die als individualistisch bis zum Narzissmus, detached bis zur Isolation und vereinsamt bis zur Depression erfahren wird, ist ein Gemeinsames ebenso fragwürdig wie anziehend und verführerisch. Wir sehen den Chor als eine Weise geteilter – auch mit den ZuschauerInnen – Freiheiten und Spielräume. Wir wollen mit den Räumen zwischen uns, zwischen den Zuschauenden und den Performenden spielen, jenseits von totalem Ichbezug und geschlossenen Gesellschaften mit dem Chor ein gemeinsames Offensein füreinander und für die ZuschauerInnen finden und spielerisch erkunden.

Choros ist ein künstlerisches Forschungsprojekt zum Chor als Einheit aus Ort, Bewegung und Stimme. Unsere Beschäftigung mit Choreographie und Chor ist sowohl von archaischen Chorformen aus der Zeit vor dem antiken Theater inspiriert, wie auch von einer Auseinandersetzung mit Raumkonzepten der Minimal Art und Judson Dance geprägt. Der Titel Choros stellt die Zusammengehörigkeit von Körper und Raum heraus, das Wort bezeichnete im Altgriechischen zugleich den Tanzchor wie auch den Tanzplatz. Im Unterschied zum gewohnten Verständnis des Chors als einer Gruppe von Menschen legen wir den Fokus auf die Elemente, die zusammen einen Chor im räumlichen Sinn – einen Raum-Chor – bilden: auf Stimme, Bewegung und Ort. Aus diesen Elementen bauen wir eine Reihe chorisch-räumlicher Konstellationen, die sich zwischen Tanz, Skulptur und Konzert erfahren lassen. Inspiriert vom archaischen Chor geht es bei Choros nicht nur um das Zusammenspiel aus Bewegung, Stimme und Raum und um die Gemeinschaft der Chor-Teilnehmenden untereinander, sondern auch um neue und andere Weisen des Verhältnisses von Chor und Publikum. Über das Gegenüber von Zuschauen und Rollenspiel hinaus suchen wir in Choros andere Formen der räumlichen und menschlichen Begegnung und der Teilhabe an einem Kunstwerk.

Die Konstellationen in Choros sind von der Kreisform bestimmt, in jeder Konstellation geht es darum, was ein Kreis sein kann – nicht als stillgestellte geometrische Form, sondern als fließender Rhythmus. Mit Raumchor und Kreis als Grundform arbeiten wir an unterschiedlichen Konstellationen aus Bewegung, Sprache/Gesang und Positionierung im Raum, sowohl des Chors wie der ZuschauerInnen. Choreographiert wird der gesamte Raum als Geschehen.

Zum bisherigen Verlauf: http://blog.moritzmajcesandraman.com/?cat=15

Probenbeginn: ab Mai 2018 in Blöcken. Aufführungen in Wien und Berlin: Oktober und Anfang November 2018. Die Arbeit wird honoriert.

Die zu singenden und sprechenden Texte sind in deutscher Sprache.

Interessierte melden sich bei ms@moritzmajcesandraman.com

Marita Tatari über Narkosis: Plastizität der Gegenwart

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Narkosis, Stillshot

»Wie ein unsichtbarer Sog richtet sich Narkosis an einen Punkt in uns, der innen und außen, Ich und Du zugleich ist. An dem Ich und Du der Zug einer Verbindung ist, aus der Zeit entspringt und Raum hervorgeht. Narkosis ist eine Versenkung in den relationalen Trieb, aus dem heraus Oberflächen entstehen, ein Eintauchen in die Kraft des Bezugs, aus der Realität hervortritt. Narkosis siedelt an der untersten Schicht des gegenwärtigen Moments, der Schicht des Erwachens der Gegenwart … «

Rezension lesen

Narkosis – 2.-5. November 2017 Open Spaces #3, Berlin

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Narkosis, Stillshot

EINE RAUMCHOREOGRAPHIE VON MORITZ MAJCE + SANDRA MAN

im Rahmen von Open Spaces#3 – 2017

Narkosis ist die Stelle, an der sich das Auge in seine Höhle dreht. An der ich anders zu sehen beginne. Ein Schauen, das in mir etwas anderes öffnet, ein neuer Raum entsteht. Ein Weltraum aus Körperhöhlen, in sich verschlungenes Innen und Außen, leuchtendes Echo eines künstlichen, ursprünglichen Schlafs. In jedem Ich scheint seine Stille, in jedem Blick spiegelt sich Trunkenheit. Im Halbdunkel zwischen Bildern und Körpern, Hören und Sehen, zwischen mir selbst und den anderen schwebt Narkosis als Raum und Zustand.

In ihren Raumchoreographien entwerfen Sandra Man und Moritz Majce Zuschauerräume, in denen Schauen und Hören zu unmittelbaren körperlichen Erfahrungen werden. Ihr Zugang sucht nach etwas anderem als dem spiegelbildlichen Gegenüber von Darsteller und Publikum. In »Narkosis« machen sie dieses narzisstische Verhältnis zum Thema und versetzen es in einen Schwebezustand: Zwischen Narzissmus als Gegenwartssymptom und dem antiken Mythos von Narziss und Echo, zwischen Blick und Stimme, Bild und Körper entfaltet sich ein Gleiten und Driften, das Selbstverliebtheit in Selbstvergessenheit verwandelt und den Zuschauerraum zu einer Höhle werden lässt.

IDEE + UMSETZUNG: Moritz Majce + Sandra Man STIMME: Christine Börsch-Supan TANZSOLO: Charlie Fouchier RAUMCHOR: Ayam Am, Sasha Amaya, Zoé Alibert, Philipp Enders, Falk Grever, Katherine Gorsuch, Valérie Kommer, Julia B. Laperrière, Sonia Noya, Benjamin Pohlig, Susi Rosenbohm, Fausta Scarangella, André Uerba, Marie Zechiel

Dank an Enrico L’Abbate und Nir Vidan für erste Versuche zu Blick und Tanz. An Lakeside Labs GmbH Klagenfurt für die Unterstützung bei den Videoaufnahmen mit einer Drohne und an Franz Habich für die Steuerung. Dank auch an die Agrargemeinschaft Nachbarschaft Söbriach in Kärnten / Koroška für den freundlichen Zugang zu einer ihrer Almen.

Foto: © Moritz Majce + Sandra Man, 2017

Eine Produktion von Moritz Majce + Sandra Man, gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds, unterstützt von der Tanzfabrik Berlin und der Kulturabteilung der Stadt Wien (MA 7)

Premiere: 2. November 2017, 19 Uhr

Weitere Aufführungen: 3. (19 Uhr) , 4. (20.30 Uhr) und 5. (20.30 Uhr) November 2017
Samstag, 4.11. After Talk im Anschluss an die Vorstellung

Online Ticket kaufen

Tanzfabrik Berlin • Uferstraße 23 • 13357 Berlin
Eintritt: 14 € / 9 € • www.tanzfabrik-berlin.de


Notizen zum Zuschauen

Unsere Arbeiten sind »Raumchoreographien«, weil es in ihnen um die Beweglichkeit des Raums und die Räumlichkeit von Bewegung geht. Uns interessiert die Gleichzeitigkeit dessen, was geschieht, mit dem, wo es geschieht; so, dass der Ort des Geschehens nicht vor dem Geschehen liegt, sondern mit ihm entsteht. Eine Raumchoreographie ist kein Bühnenbild, in dem eine Handlung stattfindet; sie ist auch keine Installation, die einen Raum ausstellt. Wir sehen Raumchoreographien jenseits von Bühnenbild und Installation und jenseits von Aufführen und Ausstellen. Das wirft die Frage auf, was die an einer Raumchoreographie Teilnehmenden eigentlich tun, wie sie es tun und wer oder was sie dabei sind. Und zwar stellt sich diese Frage für beide Aspekte des Teilnehmens, die des Machens ebenso wie die des Zuschauens. Wir verstehen die an einer Raumchoreographie beteiligten PerformerInnen als Raum-Chor und ein Raum-Chor bestimmt sich dadurch, dass er mit seinen Bewegungen – körperlich und/oder stimmlich – einen Raum entstehen lässt. Dieses Raum-Schaffen umfasst auch die, die eine Raumchoreographie besuchen. Was heißt dieses »Umfassen« der BesucherInnen und wie besucht man eine Raumchoreographie?

Gegenüber und Geschehen

Im Wesentlichen schaut man in Aufführungen Subjekten beim Handeln zu und in Ausstellungen schaut man Objekte in ihrer Form und Gestalt an. In Aufführungen sitzt man, in Ausstellungen steht und geht man; im einen Fall bewegt sich das, dem man zuschaut, man selbst aber nicht; im anderen Fall bewegt man sich selbst, und das, was man anschaut, ist unbeweglich. Die Aufführung verläuft in der Zeit, man folgt als ZuschauerIn etwas (Handlung, Geschichte, Dramaturgie…), das sich entwickelt, jedenfalls im Laufe der Zeit ergibt; die Ausstellung ist räumlich, vieles ist gleichzeitig da, man geht als BesucherIn durch, betrachtet etwas von allen Seiten. In der Aufführung schaut man einer Bewegung zu, in der Ausstellung ist man selbst in Bewegung. Wenn man so in Ausstellung und Aufführung denkt, ist die Bewegung Aktivität und entweder auf Seiten des performenden oder des besuchenden Subjekts. Sie ist aber kein räumliches Geschehen, das sich zwischen allen Beteiligten ereignet.

Was ist, wenn sich Bewegung anders verteilt, wenn sich zum Beispiel alle bewegen und bewegen lassen, nicht nur entweder die PerformerInnen oder die BesucherInnen? Und was ist, wenn diese Bewegung aller nicht zum Zweck einer Interaktion, eines Dialogs oder Austauschs zwischen den Beteiligten geschieht? Wenn nichts außer diese Bewegung selbst stattfindet, nichts zusätzlich zu ihr hinzukommt – keine Aufgabe, keine Geschichte, keine Handlung, keine Aktion etc. Wenn es also um eine den ganzen Raum und alle Beteiligten umfassende Bewegung geht, die sich selbst ausstellt. – Wo und wer oder was ist man dann als ZuschauerIn und wie sieht man sowas zu und ist das, was man tut, Zuschauen oder etwas anderes?

Erfahrung und Struktur

Wenn man unsere bisherigen Raumchoreographien auf das hin betrachtet, was Zuschauen in ihnen sein kann, kommt man auf Arten der Teilnahme an einem räumlichen Geschehen. Es gibt eine Transformation des Zuschauens selbst, wenn sich nicht Subjekt und Objekt, aktiv und passiv gegenüberstehen, wenn Zuschauen nicht bedeutet, etwas zuzuschauen, sondern eine räumliche Erfahrung zu teilen. Teilen heißt nicht, dass PerformerInnen und BesucherInnen »gleich« werden oder dasselbe tun (sollen), sondern es findet vor oder jenseits der Identifikation als PerformerInnen oder ZuschauerInnen statt. Es geht um Zuschauen als Erfahrung und Struktur. Mit Struktur ist gemeint, dass das, was »Zuschauen« heißt – allgemeiner: die Art und Weise, wie man als BesucherIn teilnimmt – mitten in der künstlerischen Arbeit selbst liegt, von ihr mit hervorgebracht wird und nicht das ist, was erst dann passiert, wenn eine Arbeit »fertig« ist. Zuschauen findet viel früher statt und liegt viel tiefer in einer Arbeit drinnen, als man zunächst denkt. Man denkt so, weil man ohne Publikum probt und Zuschauen für das hält, was erst kommt, wenn man nicht mehr probt. Das macht die Sache kompliziert und widersprüchlich: Während das, wie man eine Arbeit erfährt, ganz tief in ihrem Entstehungsprozess wurzelt und zu ihrem Wesen gehört, sind ZuschauerInnen zugleich das, was sich dem Produzieren entzieht. Im Unterschied zu den künstlerisch Beteiligten – dem Raum-Chor – probt und trainiert man eben normalerweise nicht mit Publikum. Je mehr es um Räumlichkeit als alle umfassendes Geschehen geht, desto wesentlicher und greifbarer wird dieser Unterschied, desto mehr kann und muss man auch mit ihm arbeiten und über ihn nachdenken. Man muss sich damit beschäftigen, welche Einladung zu welcher Art des Teilnehmens in einer Arbeit steckt und auf welche Weise ZuschauerInnen auf sie vorbereitet und aufmerksam werden. Letztlich geht es darum, jede Arbeit auf das hin zu betrachten, welches Zuschauen sie hervorbringt. Für ZuschauerInnen heißt das in erster Linie, die Einladung zur Teilnahme an einer Arbeit wahrnehmen zu können und zu erkunden, wie man zuschauend ein Teil von ihr ist.

Festung / Europa (2015)

Festung / Europa beginnt als Ausstellung, die BesucherInnen gehen Gemälde betrachtend umher, die PerformerInnen sind zunächst unsichtbar, die Wandelemente stehen statisch im Raum, die Bilder sind an ihnen angebracht. Im nächsten Schritt beginnen sich die PerformerInnen zu bewegen, die Wände öffnen sich, geben einen Zuschauerraum frei, die BesucherInnen setzen sich. Es findet ein Wechsel in der Bewegung statt: Die, die vorher stillstanden, bewegen sich nun, die, die umhergingen, setzen sich.

Was dann folgt, lässt sich so sehen: Eine Ausstellung zieht in der Zeit vorbei, führt sich in gewisser Weise auf. Als Publikum sieht man einer sich bewegenden Installation zu. Die Wandelemente werden immer wieder rekonfiguriert, die PerformerInnen tragen und verschieben sie, die Gesichter dabei zu den Wänden, man sieht sie nur von hinten, sie verschmelzen fast mit den Wandobjekten, die Objekte werden fast zu Protagonisten. Der Zuschauerraum liegt in der Mitte des Geschehens, der Raum baut sich rundherum um, man sieht also nur einen Ausschnitt, immer geschieht etwas auch hinter einer/m. Zugleich sitzt man im Zuschauerraum so aufeinander ausgerichtet, dass man immer auch andere ZuschauerInnen im Blick hat und selbst von anderen (an)gesehen wird. Man selbst ist sehr exponiert, während es zugleich zwar durch die sich permanent verändernde Räumlichkeit einen zeitlichen Verlauf gibt, aber weder Individuen, die etwas darstellen, noch eine Handlung, der man folgen könnte oder müsste.

Wahrscheinlich ist die Gesamtlage etwa die: Eine Installation wird bewegt, die PerformerInnen werden zu Bestandteilen, die Bestandteile werden zu Protagonisten, die ZuschauerInnen werden zu Exponaten. Auf gewisse Weise finden sich alle in einer sich bewegenden und sich in dieser Bewegung selbst ausstellenden Räumlichkeit wieder. In der Veränderung dessen, wer was wie ist (Objekt, Exponat, Protagonist) tritt ein Raum auf, in den alle eingelassen sind. Den alle teilen, auch wenn sie – PerformerInnen, ZuschauerInnen – nicht interagieren und nicht dasselbe tun. Teil dieser Räumlichkeit zu sein und diese Räumlichkeit zu teilen, ist das, was passiert. Mehr oder anderes geschieht nicht. Als ZuschauerIn kann ich mich auf dieses Geschehen einlassen, also daran teilnehmen im Wortsinn, indem ich mein eigenes mit-Ausgestelltsein, mein eigenes mit-Exponiertsein sehe, empfinde, wahrnehme, mich ihm überlasse und hingebe. Dann bin ich drin und dabei, ich nehme teil, ohne im Sinne eines Interagierens etwas Bestimmtes zu tun. Es ist ein sehr körperlicher Vorgang und hat mit Entspannung und Ruhe und Geschehenlassen zu tun. Wenn das passiert, wenn ich loslasse und nicht etwas (verstehen, unterhalten werden…) will, geht die Arbeit durch mich durch und kann tatsächlich im Zwischen stattfinden, im aufeinander-Bezogensein aller Anwesenden. Es verlangt aber von mir als ZuschauerIn einen Wechsel in dem, wie und worauf ich schaue. Solange ich gespannt bin und das suche, was man Handlung nennen kann oder Geschichte oder Aussage oder Konzept, solange mich das interessiert, was man als Können der PerformerInnen verstehen kann, sehe ich nichts. Auf dieser Ebene ist auch wirklich nichts, es findet nichts statt. Der Blick, der etwas verstehen oder etwas raffiniert und gekonnt finden will, geht ins Leere. Wenn es aber gelingt, das, was geschieht, mit mir einfach geschehen zu lassen, findet in mir als ZuschauerIn eine Transformation statt: Ein »ich schaue etwas zu« wird weniger, aus mir wird eine Berührungszone und ich empfinde eine Intensität.